homeatlast

          Généralement, un album sans autre titre que le nom de son auteur (1) est censé constituer la substantifique moelle d'un groupe ou d'un artiste, son oeuvre la plus caractéristique, la plus emblématique (2)... 

          Le Mötley cuvée 1994 n'est, quant à lui, nullement représentatif du style du célèbre groupe américain. Et pour cause : il a, d'une part, été enregistré sans Vince Neil, le chanteur attitré du combo, viré quelque temps auparavant (3); il est, d'autre part, caractérisé par toute une série d'emprunts évidents sur lesquels nous reviendrons ultérieurement...

          Avant d'aller plus loin, rappelons aux incultes que le Crüe fut l'un des groupes les plus populaires des années quatre-vingts, ses cinq albums précédents s'étant vendus par millions tant aux Etats-Unis que dans le reste du monde. Vince Neil, Tommy Lee (batterie), Mick Mars (guitare) et leur leader Nikki Sixx (basse) réussirent à s'imposer grâce à un savant cocktail de sexe, de drogue(s) et surtout de rock'n'roll...

          Le cinquième Mötley Crüe, l'excellent Dr. Feelgood (1989), connut un tel succès que la maison de disques Elektra accepta de signer le combo pour pas moins de 25 millions de dollars de l'époque.

          Cependant, le départ de Vince Neil et les changements drastiques survenus dans le monde merveilleux du rock américain du début des années quatre-vingt-dix (4) modifièrent complètement la donne. Le vent avait définitivement tourné pour les groupes de hard-rock de la décennie précédente. Le nouveau mot d'ordre était : "Brûle ce que tu as adoré ! " Les clodos en jeans déchirés et chemises à carreaux remplacèrent les glammeurs permanentés.

Il n'y a pas loin du Capitole à la roche Tarpéienne, comme disaient les Anciens.

          Le groupe se remit cependant au travail. Le producteur Bob Rock qui avait fait des miracles sur Dr. Feelgood fut rappelé. Et ce fut l'obscur John Corabi qui eut l'honneur de succéder au péroxydé Neil, Corabi dont le précédent groupe avait pour nom The Scream... Tout un programme...

Screams and rock... Ou Screaming Rock...Voilà qui définirait bien le résultat de ces enregistrements...

          La facette fun et ensoleillée de Mötley a complètement disparu, laissant place à un heavy rock sombre, puissant et inspiré. S'il est vrai que j'aime Vince et sa voix de canard, je n'en suis pas moins fortement impressionné par les capacités vocales de Corabi. Ses intonations spectrales et maléfiques planent au-dessus des riffs hargneux d'un Mars méconnaissable et de la frappe lourde et menaçante de Lee. De plus, le nouveau screamer est aussi un bon guitariste dont le jeu enrichit remarquablement le son du groupe.

          Les douze compos de l'album se révèlent toutes mémorables. Pas un déchet ! Et tel le Black Sabbath de Heaven And Hell (5), le groupe sonne revitalisé, métamorphosé... Rajeuni...

Power To The Music constitue un idéal premier morceau et fait figure de profession de foi définissant à la perfection l'esprit du disque. Jamais le groupe n'avait sonné ainsi, autre point commun avec le Sab' de Heaven And Hell. Une intro nerveuse et syncopée et un Corabi impressionnant de rage et de feeling...  Suit l'excellent Uncle Jack qui s'enchaîne brillamment au remarquable Power To The Music, comme si l'un et l'autre constituaient les deux faces d'une même médaille. De tels enchaînements sont rares et je me vois contraint de renvoyer le lecteur au génial Rocks (1976) des non moins géniaux Aerosmith pour lui donner une idée de la chose (6). Ajoutons, puisqu'on cause d'Aero' , que le sujet de Uncle Jack se rapproche étonnamment de celui du Uncle Salty du Smith (7) puisqu'il s'agit dans les deux cas d'une chanson traitant de l'enfance maltraitée.

Hooligan's Holiday, le premier single qui donnera lieu à un clip mémorable, continue dans la même veine violente et sans concessions que Power To The Music. Il n'est d'ailleurs pas sans présenter de nettes similitudes avec Hammered, le septième morceau, tant au niveau du riff que des lignes de chant du chanteur. Ajoutons que ce Hammered n'est pas sans présenter une ressemblance troublante avec le Gypsy de Deep Purple (album Stormbringer, 1974) dont il réutilise le riff principal (approximativement à partir de deux minutes trente).

L'influence d'Aerosmith est présente sur Poison Apples et Welcome To The Numb, notamment au niveau des choeurs. Pour tout dire, on a parfois l'impression d'entendre des inédits de Pump (1989), ou mieux de Rocks.

L'excellent Till Death Do Us Part (titre de travail de l'album et franchement ironique quand on connaît la suite des événements) continue dans cette veine, dans la mesure où l'on a carrément l'impression de redécouvrir le riff de Nobody's Fault du Smith, à partir de la vingtième seconde. A ces évidentes influences s'ajoute l'empreinte de Black Sabbath, vu la lourdeur du morceau.

Sur Droppin' Like Flies, le groupe réutilise le riff caractéristique de Solar Angels, l'une des chansons de Point Of Entry (1981) de Judas Priest.

Et le brûlot du disque, Smoke The Sky, hymne à la fumette, reprend sans vergogne un autre riff fameux, celui de Caught In A Mosh d'Anthrax (sur Among The Living, 1987).

Quelques ballades pleines de feeling et d'émotion aèrent l'ensemble et permettent à Corabi de mettre sa superbe voix en valeur. Misunderstood se révèle très réussie et évoque par moments Led Zep. Loveshine dégage une authenticité de bon aloi mais manque cependant d'un refrain imparable. Quant à Driftaway, elle clôt agréablement ce sixième Mötley...

          Véritable patchwork d'influences avouées (Aerosmith, Black Sabbath, Led Zeppelin), et d'emprunts évidents, conscients ou non, cet éponyme n'en demeure pas moins excellent et constitue sans problème l'une des meilleures sorties discographiques de 1994 (8).

          Si les critiques furent positives, nombre de détracteurs passés du groupe lui trouvant enfin des qualités, le Mötley Crüe nouveau ne parvint toutefois pas à s'imposer auprès du public et finit péniblement disque d'or aux Etats-Unis (500 000 exemplaires écoulés), alors que ses précédents efforts s'étaient écoulés en moyenne à plus de deux millions d'exemplaires, Dr. Feelgood ayant même dépassé les six millions de copies vendues.  

Conséquence de l'échec de l'album et de la tournée, rapidement annulée : le Crüe se sépara de l'excellent Corabi (9) et se rabibocha avec Vince Neil, ce qui permit à ce beau monde de renouer avec succès avec son public de glam-lovers, lors de tournées fortement médiatisées et très lucratives.

1) Un album éponyme, comme disent les gens cultivés... 

2) Par exemple, les premiers Led Zeppelin, Eagles, Kiss, Van Halen, Black Sabbath, Blue Öyster Cult... La liste n'est évidemment pas exhaustive...

3) Début 92...

4) Une terrible maladie nommée "grunge".

5) Premier album du Sab' à être enregistré sans le légendaire Ozzy Osbourne, celui-ci ayant cédé la place au fabuleux (et regretté) Ronnie James Dio.

6) Rocks est un album dont les morceaux s'agencent et se succèdent de manière si évidente, si miraculeuse, même, qu'on ne saurait imaginer un autre tracklisting.

7) Sur Toys In The Attic (1975), déjà disséqué en ces lieux.

8) Au même titre que le mésestimé The Last Temptation d'Alice Cooper.

9) Celui-ci s'acoquina par la suite avec l'ex-Kiss Bruce Kulick, puis rejoignit le Eric Singer Project (toujours la Kiss' connection), avant de devenir temporairement le chanteur de Ratt...

Un sacré gâchis à l'arrivée...

          Neuf mois après l'étonnant et controversé The Gospel According To The Meninblack, les sinistres Stranglers sont de retour avec La Folie, l'un de leurs meilleurs albums, de ceux susceptibles de marquer durablement certains jeunes esprits pas si influençables que cela...

La Folie, conséquence ultime mais logique d'un amour trop grand, trop violent.

Ne nous fions pas aux apparences : sous leurs airs patibulaires, Cornwell, Burnel, Greenfield et Black sont de grands romantiques, des amoureux transis capables de sublimes fulgurances  et dans chacune des onze remarquables compositions de cet album se dissimule une ode à l'amour fort et authentique.

         A l'origine du disque, une autre forme d'"amour", l'appât du gain de la maison de disques, désireuse d'obtenir une collection de "tubes", histoire de se remettre de l'échec commercial du précédent, ce Gospel..., décidément maudit et incompris...

D'où la présence de Tony Visconti aux côtés de  James Churchyard et de nos quatre esthètes.

Qu'il est loin le temps du cinglant Rattus Norvegicus. Depuis 1977, la musique du groupe n'a cessé de s'enrichir et de s'affiner.

Difficile de décrire le son Stranglers en 1981 : sur une rythmique pesante et implacable se greffent de brumeux synthés "londoniens" accompagnés de guitares acidulées évoquant l'Espagne. Une voix grave et inquiétante se pose sur cette singulière instrumentation et la magie Stranglers peut alors s'installer.

A vrai dire, ceux-ci nous content ici de bien curieuses histoires, à commencer par celle de la religieuse de Non Stop Nun, qui a le meilleur de tous les amants, et qui ne sera jamais vôtre...

Des refrains glauques, malsains, s'insinuent dans les tréfonds de nos malheureux encéphales : celui, effrayant, de Let Me Introduce You To The Family, "I love the family", ou encore celui de Everybody Loves You When You're Dead, merveille de cynisme. Le mémorable The Man They Love To Hate, à la rythmique hypnotique, caractéristique de ce groupe que les éminents critiques rock aimaient tant détester, n'est pas en reste. 

Et dans le superbe Tramp, on s'interroge sur la vie amoureuse de ce vagabond ridé. Y a-t-il eu une femme dans sa vie, autrefois ? Lui manque-t-il ? De toute façon, quelle importance, maintenant, dans ce morne paysage de neige ?

          Tout est bon pour étudier l'amour et ses diverses et surprenantes déclinaisons. Un tango, idéal pour rapprocher les gens et propice à la formation de couples (It Only Takes Two To Tango). Une valse... Golden Brown et son atmosphère éthérée de petit matin brumeux, merveilleuse chanson qui deviendra le plus inattendu des tubes (N°2 en Grande-Bretagne), peu d'auditeurs ayant, semble-t-il, décrypté les références à une autre histoire d'amour, celle  qui unit Hugh Cornwell et l'héroïne...

Des synthés cristallins introduisent alors la chanson-titre, assurément l'un des sommets du disque, mais peinent cependant à couvrir la basse menaçante de Jean-Jacques Burnel. La Folie et ses paroles en français permettent à l'Ange du bizarre de côtoyer le Démon de la perversité. Ne prenez jamais d'auto-stoppeur... "Bonsoir, ton véhicule n'a pas l'air d'avoir de passager. Peux-tu, veux-tu me recevoir sans trop te déranger ?" Tout cela n'est que le prélude à l'acte amoureux ultime, celui consistant à déguster l'être aimé, les Stranglers s'inspirant ici des frasques du Japonais Issei Sagawa qui dévora partiellement sa dulcinée après l'avoir assassinée, terrible fait divers qui inspira aussi les Stones de Too Much Blood...

How To Find True Love And Happiness In The Present Day ?, la dixième piste de l'album, pose ainsi la question existentielle ultime...

Près de trente ans après, La Folie demeure un intemporel disque de saison, automnal à souhait... S'il permit au groupe de renouer avec le succès commercial, il demeure surtout la preuve qu'il y a une vie après le punk et témoigne de la surprenante capacité de nos Anglais à créer de troubles et superbes atmosphères spleenétiques.

Suave perversité... Un album à aimer passionnément... Á la folie...

En 1972, Daryl Hall et John Oates sont encore très loin de se douter que dans moins de dix ans, ils deviendront  l'un des duos les plus populaires de tous les temps (1), avec à leur actif une impressionnante série d'albums à succès, Voices (1980), Private Eyes (1981), H2O (1982) et Big Bam Boom (1984).

Pour l'instant, ce ne sont que de parfaits inconnus qui ont cependant la chance de graviter autour de Kenneth Gamble, fondateur avec Leon A. Huff du mythique label Philadelphia International Records en 1971. Ses accointances permirent notamment à Hall de participer à nombre de sessions d'enregistrements avec les Stylistics, Joe Simon et les Three Degrees. Quant à John Oates, Kenneth Gamble l'utilisait essentiellement pour ses talents d'accordéoniste !

Une fois le duo formé, les deux compères enregistrèrent une foultitude de démos avant d'être signé par Atlantic, et ce n'est qu'en 1972 que parut leur premier disque judicieusement intitulé Whole Oats (2).

La pochette n'est pas sans évoquer la version censurée de Sticky Fingers (3).

Autre point commun avec les Stones, la présence du grand Arif Mardin à la production que l'on retrouvera plus tard sur Black And Blue (4).

Whole Oats demeure l'une des oeuvres les plus méconnues du duo et n'est en aucun cas un chef-d'oeuvre impérissable. Ce premier effort ne prétend nullement être un grand album, l'un de ces indispensables qui encombrent ces fameuses listes des meilleurs disques de ceci ou de cela que la presse rock nous concocte depuis près de vingt ans, faute d'une actualité excitante...

Les fans de la machine commerciale que devinrent ultérieurement Hall & Oates ne trouveront pas vraiment leur compte à l'écoute de ces onze plages : en effet, on cherchera en vain le moindre tube instantané susceptible de chauffer les pistes de danse : pas de I Can't Go For That ou de Maneater ici...

Non, rien qu'un recueil de chansons aux ambiances éthérées, un album à l'ancienne amoureusement concocté par deux passionnés de musique noire et de folk. Un disque distillant des atmosphères ouatées (Oatées ?) et vaporeuses qui vous emportent à mille lieues des lourdeurs insupportables du quotidien. Le remède idéal après une fichue journée de boulot...

Un peu de soul sur l'introductif I'm Sorry (5) ou encore sur le remarquable Fall In Philadelphia qui gagnerait vraiment à être plus connu.

Et aussi nombre de ballades touchantes, faisant la part belle à l'introspection comme le touchant Waterwheel ou l'émouvant Lazyman.

Les voix déjà magiques des deux lascars magnifiées par les arrangements discrets mais superbes de Mardin font de ce Whole Oats un régal pour les oreilles. Le dernier morceau, Lily (Are You Happy), propose des parties de violons plus envahissantes mais point étouffantes.

Un disque mineur, assurément, mais éminemment attachant car Whole Oats dégage une sincérité et une authenticité prenantes.

Sa pureté, son innocence, typiques des premières oeuvres, achèvent même de me le rendre indispensable...  

(1) Peut-être même LE duo le plus populaire de tous les temps, si on s'en tient aux seules ventes.

(2) Whole Oats, avoine complète, mais aussi, phonétiquement, Hohl, vrai nom de Hall, et Oats : Hohl & Oates.

(3) La pochette originale signée Warhol fut censurée dans l'Espagne de Franco et remplacée par ces doigts sortant d'une boîte de conserve. Le plus drôle étant que la version espagnole s'avère encore plus craignos que la célèbre braguette du père Andy...

(4) Cf. les surprenants arrangements de Melody.

(5) Compo reprise par Justin Hayward des Moody Blues en 1980.