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"Un barbu est un barbu. Trois barbus, c'est des barbouzes." Michel Audiard.

Je n'ai jamais aimé les barbus... Peut-être s'agit-il d'un traumatisme lié à ma petite enfance ? Peut-être devrais-je entamer une psychanalyse ? Peut-être n'est-il pas trop tard ? A propos, Freud n'était-il pas barbu ? Tout comme ceux qui me traumatisent et dont la seule vue me hérisse, les Ivan Rebroff, Fidel Castro, Corbier, Moustaki et autres Père Noël... Sans parler d'un certain nombre de syndicalistes (sont souvent barbus et repoussants, ces gens-là !). Je pourrais aussi ajouter à cette pénible liste le chanteur d'un groupe aujourd'hui bien oublié, Tin Machine, je crois (comment s'appelait-il déjà, ce barbu-là ?).  Autrefois, je me méfiais même du sympathique Carlos, c'est dire...

J'ai pourtant toujours eu un faible pour la musique de ZZ Top, groupe célèbre justement pour la barbe à la longueur démesurée de deux de ses membres, le vénérable guitariste Billy Gibbons et le poussiéreux et bien-nommé bassiste Dusty Hill. Comme chacun le sait, seul le batteur a, il y a bien longtemps, rasé sa barbe... et arbore depuis une fort vilaine moustache. Cet homme a pourtant l'insigne culot de se nommer Frank Beard, c'est-à-dire Frank Barbe ! Allez donc y comprendre quelque chose...

Après une décennie passée à jouer une sorte de blues rock très seventies fort prisé par les  bikers, le trio texan surprit considérablement son monde en accouchant de cet inattendu Eliminator en 1983.

Nos trois amis avaient soudainement décidé d'actualiser leur musique et le synthé, instrument maudit, fit une apparition remarquée.   

Les puristes hurlèrent évidemment à la trahison et au scandale. Mais les cris d'orfraie de certains vieux fans ne dissuadèrent pas une nouvelle génération ravie de s'intéresser à ce disque, qui devint non seulement l'une des plus grosses ventes de l'année 83, mais de l'industrie musicale tout court, avec plus de dix millions d'unités écoulées ( Eliminator a été certifié disque de diamant en 1996 ). 

Comment expliquer un tel succès ? Tout d'abord parce que le groupe sut jouer intelligemment la carte du video clip et de MTV, alors en plein boum, exploitant habilement son image pour le moins... hum...  particulière et parvenant même, à force de second degré et d'autodérision, à devenir hip et à plaire simultanément aux gamins et aux intellos branchés. Et cela, rappelons-le, en 1983, année durant  laquelle un look à la Duran Duran ou à la Spandau Ballet était, semble-t-il, de rigueur pour affoler le public.

La formule sur laquelle reposaient la plupart des clips du Top était simple. Le groupe apparaissait quasi-systématiquement comme une sorte de moderne deus ex machina - la machina en question étant un superbe hot rod, à l'origine une Ford de 1933, qui devint d'ailleurs la véritable vedette de ces petits films - venant en aide à de sympathiques jeunes gens n'ayant pas eu la chance de naître avec une cuiller en argent dans la bouche...

On pourrait d'ailleurs aller plus loin et affirmer qu'en 1983, à l'instar des tribulations dépeintes dans ses vidéos, le Top fut aussi le sauveur du rock. Il ne faudrait quand même pas oublier que cette année fut celle du triomphe de Michael Jackson, pas encore le King of Pop mais alors le roi du funk, ainsi que de David Bowie période Let's Dance, les autres grands vainqueurs de 83 étant des gens comme Culture Club ou Kajagoogoo. N'oublions pas non plus l'immense succès de Police et de son Synchronicity.

Dans un tel contexte, le fan de rock énervé et frustré en était réduit à serrer les dents, ayant très peu de choses à se mettre dans les écoutilles. Certains en étaient même réduits à attendre impatiemment le prochain Stones et ceux-là se suicidèrent lors de la sortie d'Undercover. Et ne parlons pas du public d'AC/DC traumatisé par Flop Of The Switch...

ZZ Top bénéficia ainsi d'une situation généralisée de pénurie et eut quasiment le monopole du rock de grande consommation. Cela eût été malheureux si l'on avait eu affaire à des escrocs patentés mais tel n'était pas le cas, contrairement à ce que leur allure de trafiquants de whisky frelaté aurait pu laisser supposer. Car Eliminator demeure incontestablement l'un des meilleurs disques de l'année, mais aussi de la décennie et même, osons, de l'histoire du rock, tout simplement...

Disque majeur, Eliminator trône au panthéon de la musique populaire. Festival de riffs magiques, juteux, évidents et accrocheurs en diable, avalanche de solos torturés redoutablement inspirés et pourtant à mille lieues de la pyrotechnie vanhalenienne alors de rigueur, il s'agit d'un vrai disque de rock au son sale et artisanal, n'ayant rien à voir avec un quelconque hard FM aseptisé.

Quant aux synthés, ils ne gênent pas. Pour tout dire, c'est à peine si l'on remarque leur présence tant ils font corps avec l'ensemble. En fait, ils permettent juste à l'auditeur de réaliser qu'il n'écoute pas un vieux groupe des années 70 mais un combo éminemment contemporain et vindicatif en diable.

Car le Top est salement énervé et Eliminator a sacrément la gnaque.

D'ailleurs, réécouté en 2000 et quelques, le disque ne sonne pas daté comme la plupart de ses petits copains des années 80. Il est intemporel, point barre. Comme Sticky Fingers, comme L.A. Woman. Rien à voir avec un album de Wham !...

Donc ça sonne bien, rudement bien même. Ça sonne même mieux qu'avant. Et j'eusse apprécié que cela sonnât aussi bien après... ce qui ne fut hélas pas le cas. 

Qu'il s'agisse de l'hymne Gimme All Your Lovin', du puissant Got Me Under Pressure, du remuant Sharp Dressed Man, des six minutes d'émotion du blues Need You Tonight, du salace I Got The Six - gimme your nine - , de l'irrésistible Legs, du saccadé Thug, de l'entraînant TV Dinners, du très enlevé Dirty Dog, du chantant If I Could Only Flag Her Down ou du méchant Bad Girl, tout ici est rudement bon.  Fameux, même.  Et sacrément relevé.

A l'image de sa célèbre bagnole, voici un "vieux" groupe au look peu avenant ( deux barbus, quand même ! ) qui s'en revient bousculer les charts avec un gros son intemporel et surgonflé.

Le Top au top... Le top du Top... Et vous voudriez décliner une telle invitation ?

Question cruciale : quel est le meilleur Sab' de la grande époque ?

Interrogation majeure assurément. Je parle là du plus grand groupe de heavy metal de tous les temps et de l'un des cinq ou six combos les plus importants et influents de l'histoire du rock.

Mettons tout d'abord de côté les deux derniers albums du groupe, les expérimentaux Technical Ecstasy (1976) et Never Say Die (1978), assez éloignés du style sabbathien classique et souvent mal aimés.

Faisons de même avec les excellents Sabbath Bloody Sabbath (1973) et Sabotage (1975), qui ne sonnent plus vraiment comme du Sab' millésimé...

À  ce stade, la réponse à notre question liminaire devient  éminemment  prévisible : pour le fan de base, il s'agit immanquablement de l'un des trois premiers chefs-d’œuvre du célèbre groupe anglais.

Certains citeront Black Sabbath (1970) pour l'aspect historique, ce premier effort étant généralement considéré comme le premier véritable disque de heavy metal et cet aspect génésiaque relègue ses quelques ( petits ) défauts bien réels au second plan, en particulier les solos superfétatoires destinés à remplir la seconde face du vinyle.

Les lecteurs assidus des numéros hors-série de Rock&Folk prétendant dresser la liste des cent ou cent cinquante meilleurs disques de tous les temps choisiront quant à eux le mythique Paranoid (1970), systématiquement désigné par d'éminents spécialistes comme étant le seul album écoutable de la Messe Noire  et qui demeure incontestablement le grand classique du groupe d'Ozzy la Gargouille.  

D'autres, et plus particulièrement les fumeurs de moquette, s'empresseront de pointer le monolithique Master Of Reality (1971), autre merveille de lourdeur débutant par le fameux Sweet Leaf, grand hymne desdits fumeurs de moquette...

Il me semble pourtant que le Sab' a sorti huit albums studio...

En 1972 surgit des entrailles de l'enfer la quatrième offrande sabbathienne, ce fuligineux Vol. 4... 

Sur la pochette, Ozzy, immortalisé en inquiétant maître de cérémonie, se livre, hiératique, à la postérité.

Vol. 4 ou l'apogée du son Black Sabbath. Jamais plus le groupe ne sonnera ainsi. Par la suite, les désirs de respectabilité de Tony Iommi prendront le dessus. Désireux d'être considéré comme un artiste, un vrai, il accordera davantage d'importance à la production et privilégiera les solos ouvragés, ce au détriment des riffs percutants et inoubliables d'antan.

Sur Vol. 4, il se contente encore de jouer sur son vieux matos, utilise toujours ses amplis vintage et sa guitare accouche de riffs monumentaux.

De l'intro majestueuse de l'épique Wheels Of Confusion à Under The Sun, tout se révèle ici indispensable et mémorable, le groupe réussissant l'exploit de transporter l'auditeur dans une bien étrange dimension parallèle.

Trois des dix titres de ce chef-d’œuvre, le lent Tomorrow's Dream, la ballade Changes et l'instrumental Laguna Sunrise, figurent d'ailleurs sur le fameux Greatest Hits (1977), dont la pochette reprend opportunément le Triomphe de la Mort de Bruegel l'Ancien.

Si Tomorrow's Dream - premier single du groupe depuis Paranoid -  demeure du Sab' classique, pesant et sinistre, Changes est une chanson poignante à base de piano et de mellotron permettant à Ozzy le fou d'exprimer toute l'intensité de son désespoir. "Noir, c'est noir, il n'y a plus d'espoir." Quand on pense que des cuistres se permettent de dénigrer ses talents de chanteur... Peu de vocalistes sont capables de dégager une telle émotion... Et Laguna Sunrise, telle une bulle légère et diaphane, parvient à distiller une troublante impression de paix et de sérénité, avec sa guitare acoustique flottant sur un fond de mellotron. 

Un autre instrumental, FX, terrifiant prélude de Supernaut, installe, lui, une atmosphère menaçante, malsaine.

Le reste de l'album peut être pris pour une sorte d’épitomé de l'esprit du Sabbath Noir.

A l'écoute de Supernaut, les mégalithes de Stonehenge semblent s'abattre sur l'infortuné auditeur... 

Citons aussi le riff parfait de Snowblind, chanson consacrée à la substance favorite du groupe ( le Sab' remercie d'ailleurs "the great COKE-Cola Company of Los Angeles" sur la pochette ), l'intro pesante et lourde de menaces du lugubre Cornucopia, les lourds roulements de batterie de Bill Ward, le chant éprouvant et halluciné de la Gargouille et l'atmosphère sinistre qui émane de l'ensemble, lourdeur et résignation mêlées.

Vol. 4 n'est pourtant pas le sombre monolithe que l'on pourrait croire et se révèle même relativement varié. Souvent oublié, rarement plébiscité, il n'en constitue pas moins l'une des pierres angulaires de la discographie de Black Sabbath, se révèle sur la longueur plus cohérent que le premier album et largement aussi inspiré que Master Of Reality. Et tant pis s'il ne contient pas de tube à la Paranoid dans la mesure où il propose des compos nettement plus consistantes que ce "classique", en réalité hâtivement composé dans le seul but de remplir l'album du même nom.

Près de quarante ans après sa sortie, Vol. 4 demeure l'un des plus indiscutables chefs-d'oeuvre du groupe et une sorte de pic indépassable, véritable quintessence du son sabbathien... Black Sabbath, maître ès vertiges et sensations fortes, dispensateur de puissantes vibrations et autres terribles émanations telluriques, Black Sabbath, le groupe chtonien ultime...

"I've always felt like a vehicle for something else but then I've never sorted out what that was." David Bowie, 1973. En 1987, le conducteur s'était apparemment assoupi. Dangereux, ça....

Annoncé comme l'album du grand retour de David l'avide, Never Let Me Down n'en demeure pas moins l'un des plus fumants poissons d'avril de tous les temps...

Après avoir successivement incarné des personnages aussi fascinants et mémorables que  Ziggy Stardust, Halloween Jack ou le Thin White Duke (liste non exhaustive...), David Bowie fut soudain littéralement happé, possédé, dévoré, par le vide interstellaire, l'indicible néant, le grand rien... 

Dans les années 70 prévalaient la recherche de l'originalité et la volonté de se singulariser.

Les années 80 furent celles du grand saut dans le mainstream et l'anonymat...

"I'm Pierrot, I'm Everyman" aimait autrefois à déclarer Bowie. Mais, en 1987, celui-ci était devenu M. Personne !!!

En plein syndrome post-Let's Dance, c'est-à-dire poches pleines et esprit vide, l'inspiration

 en berne, il accoucha de ce foireux Never Let Me Down...  

Ayant renoncé à incarner des personnages typés et dérangeants, Bowie se transforma en M. Propre de la pop. Sa musique, autrefois troublante, raffinée, et parfois hermétique devint émétique et creuse. En un mot: merdique ! David le caméléon, pathétique médium ayant perdu son pouvoir, s'imprégna alors exclusivement de l'air du temps et, conséquemment, de l'épaisse couche de médiocrité ambiante.

Superficielles années quatre-vingts qui virent la transformation des radios libres en pompes à fric, déversoir stipendié de calamiteuses productions aseptisées et calibrées...les années Stock Aitken Waterman et de l'avènement du clip-roi, la musique devenant la simple bande sonore de vidéos de plus en plus creuses et prétentieuses... Ainsi, en moins de dix ans, on passa de l'originalité et de la classe pure de Ashes To Ashes aux boursouflures que demeurent les clips de Never Let Me Down et Day-In Day-Out, quintessence absolue de ces années yuppies et panurgiennes.

Never Let Me Down ou The Fall Of Dizzy Bang Bang And The Glass Spider From Shining Star...

Oui, approchez gentes dames, vous aussi tendres damoiseaux... Venez assister au grand Barnum de l'an de grâce 1987, au show ultime de Da Vide Beauoui, grand maître ès calembredaines... Tout cela sur un seul malheureux disque... Le carambouillage de l'année assurément... 

Oui, bonnes gens, n'ayez pas peur, réjouissez-vous...  Pour 120 anciens francs, vous aurez droit à du funk de supermarché, à du rock FM ventripotent, à de la mauvaise dance, aux solos d'un Peter Frampton impotent expressément décongelé pour la circonstance, à une reprise d'Iggy Poop et même, cerise sur le gâteau, à un rap de Mickey Rourke !!! Manque juste un strip tease de Catherine Deneuve...

Album clinquant et racoleur, NLMD a tout de ces friandises riches en saccharine, à forte teneur en édulcorants, arômes artificiels et autres produits de synthèse hautement cancérigènes... Consternante déjection, indigeste pièce montée, abomination informe et visqueuse, navrante saloperie, bouse frelatée, monstruosité putrescente, concentré de matière ectoplasmique dégénérée, calamité surnaturelle, No Sound, No Vision !!!

Difficile de donner objectivement une idée du désastre... Rappelons quand même au passage que la version originale de l'album comportait un titre intitulé Too Dizzy, tellement nul qu'il a été supprimé des rééditions successives !!! Phénomène quasi-unique à ma connaissance. En ces temps de révisionnisme forcené, on peut affirmer que cette chanson n'a effectivement jamais existé... Mais tant qu'à faire, c'est tout l'album qu'il eût fallu précipiter aux fins fonds des abysses, dans la quatrième dimension ou dans un trou noir.

Le clip de Day-In Day-Out nous montrait un Bowie en roller,  mais cela n'empêche pas NLMD d'avoir été enregistré avec les pieds. Son auteur est d'ailleurs le premier à reconnaître que ce disque atroce constitue le nadir de sa carrière.

On pourrait certes sauver à la rigueur le simili-tube Day-In Day-Out, facile et superficiel, Time Will Crawl, bonne chanson gâchée par un enrobage sonore trop typé années quatre-vingts et que Leos Carax parviendra cependant à transcender quatre ans plus tard dans une scène mémorable de son film Les Amants Du Pont Neuf... Le morceau-titre n'est pas dénué d'intérêt avec son harmonica vibrant et ses influences lennoniennes.

Quant au reste... Les références au passé tombent à plat. Glass Spider (rien à voir avec les Araignées de Mars, hélas...) évoque vaguement Diamond Dogs, les crocs et les diamants en moins.

Les héros, fatigués, sont devenus des zéros...Zeroes... Les zéros et l'infini de la daube estampillée eighties... '87 And Cry... Cry... Cry...

Et puis, passons miséricordieusement sur les clips, coûteux et puants, à l'esthétique gerbante,  à l'image de la pochette résolument hideuse... que je n'ai ni la force ni l'envie de décrire...

Contre toute attente, la tournée Glass Spider connut un immense succès, supérieur même à celui du Serious Moonlight Tour de 83. Et l'artiste interpréta régulièrement sur scène neuf (!) des onze titres du nouvel album. Un événement bien peu reluisant vint cependant menacer le bel ordonnancement de l'ensemble : Wanda Nichols, une jeune Texane, accusa Bowie de l'avoir violée dans sa chambre d'hôtel après l'un des concerts de Dallas. Elle affirma aussi avoir été mordue par le chanteur au niveau du dos et des jambes. Son agresseur lui aurait même déclaré: " Maintenant tu as le SIDA !" On imagine sans problème le malaise provoqué par une telle affaire dans l'Amérique de Reagan ! Et les retombées sur l'image d'un artiste qui se voulait dorénavant clean et transparent, à mille lieues des fantômes ambigus du passé.

L'enjeu était tel que, pour prouver son innocence, Bowie en fut réduit à passer un test de séropositivité. Les résultats amenèrent bien évidemment le jury à rejeter la plainte de l'affabulatrice. Mais le mal était fait...

Après avoir définitivement tué chacune de ses incarnations successives, Bowie en était arrivé à une sorte de point de non-retour. Pour survivre à sa mort artistique, il lui fallait se suicider symboliquement, seul moyen d'espérer renaître, humainement et musicalement, tel le Phénix. D'où l'option Tin Machine, qui vit David Bowie, quand même le plus individualiste des entertainers, se fondre dans l'anonymat d'un (mauvais) groupe de hard rock dont il se vantait de n'être qu'un membre parmi d'autres. Qu'importe en définitive puisque cette thérapie de choc et de groupe fut éminemment salutaire, lui permit par la suite d'engendrer le superbe Outside, et d'entamer une nouvelle et fort intéressante phase de sa carrière.  

Le succès considérable de L'Enfer des Zombies (1979) permit au vétéran Lucio Fulci d'entamer une fructueuse troisième carrière, qui culmina avec sa trilogie dite des zombies, constituée par L'Enfer..., Frayeurs (1980) et L'Au-Delà (1981).

La Maison près du cimetière (1981) se démarquait déjà des trois films précédents, non que cette oeuvre fût dépourvue de violence et d'effets spéciaux sanglants - bien au contraire - mais parce que le réalisateur avait cette fois choisi d'explorer les tortueux méandres de la psychologie enfantine à travers une histoire s'inspirant du fascinant Tour d'écrou de Henry James. 

L'Éventreur de New York est marqué par un changement d'orientation encore plus radical...

Pour simplifier, on pourrait dire qu'il s'agit d'un retour au giallo, genre que Fulci avait délaissé depuis quelques années, plus précisément depuis l'échec commercial du pourtant excellent L'Emmurée vivante (1977). Cependant, ce giallo-là se déroule à New York, ce qui lui confère une tonalité toute particulière.

Si l'absence du compositeur Fabio Frizzi se fait cruellement sentir, la partition de Francesco de Masi n'ayant absolument rien de mémorable, on retrouve quand même Vincenzo Tomassi au montage et la participation de Dardano Sacchetti à l'écriture du scénario.

Ledit scénario n'a rien d'original en lui-même et le titre du film est explicite. Un maniaque affublé d'une voix de canard assassine des femmes de manière effroyable. Le lieutenant Fred Williams (Jack Hedley) est chargé de l'enquête et va demander de l'aide à un éminent spécialiste du comportement, le docteur Paul Davis (Paolo Malco).

Une bonne partie du film sera de surcroît consacrée aux errances nocturnes de Jane Forrester Lodge (Alexandra Delli Colli), bourgeoise nymphomane qui passe le plus clair de son temps à traîner dans les bas-fonds de la Grosse Pomme, en quête de partenaires susceptibles de lui faire éprouver le grand frisson et de lui permettre de concrétiser ses sulfureux fantasmes. Elle profite en outre de ses escapades pour enregistrer ses frasques sexuelles, ainsi que celles de couples s'exhibant dans les peep-shows qu'elle fréquente assidûment, et rapporte les cassettes à son mari, le "respectable" docteur Lodge (Laurence Welles), ce qui permet à celui-ci de s'adonner à une curieuse forme de fétichisme et accessoirement de compléter sa collection d'enregistrements torrides...

L'action va cependant se focaliser sur la jeune et jolie Fay Majors (Almanta Keller), victime d'une agression dont l'auteur est vraisemblablement le fameux éventreur. Son ami, le gentil Peter Bunch (Andrew Painter), séduisant mathématicien, lui rend visite à l'hôpital et devient par la suite l'attentionné chevalier servant de l'infortunée demoiselle.

Pendant ce temps, la police essaie d'arrêter le meurtrier présumé, un certain Mickey Scellenda (Howard Ross) dit le "Grec", suspect sans doute trop évident, cumulant délit de sale gueule et blessure peu ragoûtante à la main : il lui manque deux doigts.

Soyons honnête, ce n'est pas pour son intrigue policière assez téléphonée - et je ne fais pas là référence aux nombreux appels du meurtrier à voix de canard à la police, typiques du giallo - que cet Éventreur de New York se révèle prenant. Non, si ce film a acquis une certaine notoriété, c'est d'abord en raison de sa violence parfois insupportable, Fulci n'ayant nullement  réfréné ses penchants pour le gore le plus outrancier. L'assassinat de la jeune Rosie (Cinzia De Ponti), coincée dans une voiture, au tout début du film, constitue un moment particulièrement intense. Mais cela n'est rien au regard du massacre à la lame de rasoir de la prostituée Kitty, avec le pénible passage du téton tranché et de l'oeil mutilé, très certainement la scène-choc du film, qui dépasse en horreur tout ce que Fulci nous avait déjà proposé - et Dieu sait si ses oeuvres précédentes contenaient pourtant matière à frémir...

Le principal intérêt de L'Éventreur... tient à son ambiance générale. On pourrait a priori penser que l'absence d'éléments surnaturels rend ce film moins glauque que les histoires de zombies auxquelles Fulci nous avait habitués depuis quelques années. Le parti-pris de réalisme adopté par le réalisateur, loin d'atténuer quoi que ce soit, nous impose en fait une vision du monde encore plus noire et pessimiste. La jungle new yorkaise se révèle infiniment plus sordide que celle de l'île de Matul... Vingt-sept ans après, L'Éventreur... demeure une oeuvre d'un pessimisme intense et quasiment insoutenable. Les vecteurs du mal ne sont plus d'affreux morts-vivants grouillant de vers mais des humains de chair et de sang, apparemment sans histoires. Et plutôt que de nous montrer de hideux zombies en décomposition, Fulci nous fait sentir les  miasmes infects du monde réel et de la société américaine. Ici, c'est New York qui se trouve en état de décomposition avancée et on repense non seulement aux paroles de la chanson Shattered des Rolling Stones ( "Go ahead, bite the big apple, don't mind the maggots") mais aussi à la démarche d'un Paul Schrader ( réalisateur du controversé Hardcore) avec lequel Lucio Fulci a plus de points communs qu'on ne pourrait le croire.

Le fait que le tueur ait la voix si familière de Donald le canard ne nous renvoie-t-il pas à l'horreur larvée qui se dissimule au coeur d'un quotidien faussement rassurant ?

Car la principale leçon du film, c'est qu'il ne faut surtout pas se fier aux apparences ! Méfiez-vous de ce couple de bourgeois aisés... Ceux-ci peuvent s'avérer, sous couvert de confiance réciproque et de liberté des moeurs, de fieffés pervers...

Même les représentants de l'ordre se révèlent avoir une double vie : le lieutenant Williams fricote avec une prostituée et le docteur Davis nous est montré en train d'acheter des revues homosexuelles...

Et le meurtrier ne fera naturellement pas exception à la règle, lui si insoupçonnable de prime abord. Une balle dans la tête lui emportera le visage, lui ôtant ainsi son masque de respectabilité.

Inversement, Mickey Scellenda passera quant à lui à tort pour le coupable idéal, alors que sa main mutilée en fait une exception dans ce film finalement très tactile, comme nous le rappelle le passage où l'on voit son poing difforme se balader sur le corps nu de Jane Forrester, ou encore l'outrageuse scène du bar qui nous montre l'exploration des parties les plus intimes de  l'anatomie de la dame par les doigts de pieds (!) d'un voyou portoricain, passage très cru s'il en est...

De même, la fille du coupable, malheureuse enfant hospitalisée et condamnée par la médecine, a été amputée d'un bras et d'une jambe. C'est d'ailleurs parce qu'il ne supporte pas l'idée que sa fille ne devienne jamais une "vraie femme" que le tueur frappe, s'en prenant à toutes celles qui dégagent un tant soit peu de sensualité.

Les membres mutilés de certains personnages symbolisent ici l'incapacité de ces derniers à avoir une vie sexuelle épanouie. 

Mickey Scellenda n'était pas l'Éventreur. Et cette regrettable confusion entre Mickey le pervers et Donald le palmipède psychopathe aura bel et bien constitué l'erreur fatale du lieutenant Williams...

Pour finir, signalons à nouveau une apparition de Lucio Fulci dans l'un de ses films, référence hitchcockienne évidente, cette fois dans la peau du chef de la police. En fait, la confrontation entre Fulci et le lieutenant Williams est remarquable dans la mesure où celui qui est désigné ironiquement comme étant "le grand patron en personne" pose des questions à son subalterne, non comme le ferait un supérieur mais comme un auteur facétieux qui s'adresserait directement à son personnage, permettant à ce dernier de nous révéler ses pensées intimes et de faire le point sur la situation. D'ailleurs, on ne reverra pas le "grand patron" par la suite ce qui est pour le moins surprenant, vu l'importance et le caractère très particulier de l'enquête en cours...

Parfois méprisé et souvent incompris, L'Éventreur de New York demeure l'un des films les plus sombres et dérangeants de Fulci, comme nous le rappellent les dernières images insistant sur la détresse et la solitude de cette enfant qui tente vainement de joindre son père par téléphone... et dont l'ultime confident s'avèrera être un jouet en forme de ... canard. 

Il s'agit aussi de la dernière oeuvre marquante de son auteur... 


 

          Replacé dans le contexte des années 70, ce Greatest Hits se révèle pour le moins astucieux et constitue une excellente piqûre de rappel : oui, le Alice Cooper Band fut bel et bien l'un des groupes les plus populaires du début de cette décennie. Rappelons qu'il s'agit d'un "greatest hits", pas d'un "best of", ce qui explique l'omission de certains morceaux-cultes n'ayant jamais connu de sortie en 45 tours (I Love The Dead, Ballad Of Dwight Fry...). Certes, tous les singles ne sont pas représentés, notamment Caught In A Dream/ Hallowed Be My Name. Certaines faces B mémorables manquent aussi à l'appel : You Drive Me Nervous, Looney Tune, Gutter Cat, Mary Ann...  Oublié aussi ce Slick Black Limousine, gracieusement offert aux lecteurs du New Musical Express en 1973...

De toute façon, il eût été impossible de caser tous les singles du groupe sur un album simple...

Précisons aussi que Bob Ezrin n'a pu s'empêcher de remixer certains titres, c'est évident à l'écoute des extraits de Killer, caractérisés ici par un son nettement plus policé que sur l'album original. Idem pour le principal extrait de Love It To Death, le mythique I'm Eighteen, l'un des plus importants singles de l'histoire du rock, le My Generation du Coop', plagié par Kiss en 1998 (Dreamin', sur l'album Psycho Circus).

Enfin, la pochette de Drew Strutzan est de toute beauté, avec son ambiance années 30. On y voit les membres du groupe côtoyer de vieilles gloires hollywoodiennes, entre autres Bogart, Gable, Jean Harlow, Peter Lorre et l'inénarrable Groucho Marx avec qui Alice développa une véritable amitié au milieu des années 70. On relèvera aussi les multiples références à l'univers discographique du Coop' : School's Out en "une" des journaux, les magazines qui reprennent la  pochette de Billion Dollar Babies ainsi que le nom du garage : Al's place... 

          Bien sûr, le principe même de ce Greatest Hits est discutable : Alice Cooper ayant essentiellement enregistré des albums conceptuels, il peut sembler critiquable, voire frustrant, de n'en écouter que quelques extraits de trois minutes. De plus, ce disque ne couvre que trois années de la carrière d'Alice (1971, 1972 et 1973) et ne permet pas de prendre la pleine mesure d'une activité qui s'étend maintenant sur cinq décennies. Et puis, il existe actuellement d'autres moyens que l'achat d'une compilation pour découvrir l’œuvre d'un artiste. Les collectionneurs se mettront cependant en quête du vinyle d'origine ou de la réédition CD de 2008...